Mayo, 2008

La melodía es lo primero

Uno sabe, en producción, dónde están los altos y bajos, qué te eriza los pelos de la nuca, dónde está el florecimiento melódico. Y nosotros siempre hemos establecido primero la melodía antes de escribir las letras. El principio es: deja que la melodía dicte el fluir de la letra. Una buena melodía no es algo que deberías trabajar. Debe surgir facilmente: si no puedes recordarla, entonces probablemente no valga la pena. Si la melodía no te fascina, lo más probable es que no fascine a otra gente tampoco.Tú improvisas palabras para que encajen en la melodía y.a veces, no tienen sentido, pero desde ahí podemos definir la dirección. Cuando escribimos la melodía, ésta dicta el fluir de la letra.

Usa títulos que inspiren

Un gran título puede inspirar una canción. Puedes escuchar una expresión como un título. Muchas veces nos decidimos por canciones de una sola palabra como Tragedy, Heartbreaker; títulos que dicen algo sin decirlo todo. No tienes que decir mucho en el título. Hemos escrito canciones completas a partir simplemente de tener el título, como You Win Again, Emotion, Islands In The Stream, Woman In Love, Chain Reaction, Too Much Heaven. A nosotros nos surgieron los títulos para Too Much Heaven y Tragedy en una tarde y escribimos las canciones ese mismo día.

Elije el momento correcto del día

Para componer, el atardecer o la noche siempre funcionaron mejor para nosotros. La melodía es muy buena para la tarde. Cuando hicimos el álbum para Barbra Streisand, Guilty, reservábamos las tardes, entre 4pm y 6pm, para hacer Woman In Love, Guilty y todas las otras pistas del álbum. Hicimos melodías todas las tardes por siete días y luego, la semana siguiente, escribimos las letras correspondientes.Yo creo que cuanto más has estado levantado, cuanto más has estado despierto, más adrenalina hay y tu antena está más lista para componer. Para cantar la noche es lo mejor. Tu voz está mejor a la noche porque el cuerpo se precalienta mucho antes que la voz. La voz resiste más, llega más alto y está más floja con el transcurso del día. A la noche es cuando la voz tiene la mejor flexibilidad y control.

Desafíate a tí mismo y a los otros

Nosotros hemos estado componiendo todas nuestras vidas. Empezamos a los 8 años escuchando la radio, imaginando lo que sería escribir para un cantante en particular. Nos desafíabamos unos a otros diciendo cosas como "¿Cómo piensas que debería ser su róximo disco?". Tratábamos de hacer uno mejor que el que ese artista haría.

La manera en que funcionó hizo que explorarámos otras áreas de la música que quizás no habríamos hecho normalmente, por ejemplo escuchar soul, R& B, jazz y música country. Incidentalmente, Islands In the Stream fue escrita originalmente como una canción R&B, tipo Marvin Gaye. Cuando se presentó Dolly Parton nos pasamos a una canción country y eso te demuestra que puedes meterte en diversas áreas como compositor - y debes poder explorar diversas áreas si vas a ser un compositor - yendo adonde puede ser que no estés enteramente cómodo. Hicimos esto cuando éramos jovenes porque ésa es la época de hacerlo; cuando no tienes miedo. Cuando te vuelves viejo hay una tendencia a pensar. “Esa es un área prohibida”. Los compositores británicos tenían más agallas en este área que sus contrapartes americanas. Sólo tienes que mirar esos discos de los Beatles o los Rolling Stones; no había límites para ellos. Cambiamos muchas de las formas en que los americanos veían la música porque no había áreas prohibidas.

La espontaneidad es la clave

Raramente escribimos canciones completas antes de entrar al estudio. Escribimos realmente en el estudio y entonces grabamos, porque vemos el estudio como un ambiente creativo. Cada uno tiene, obviamente, una manera diferente de hacer cosas y alguna gente está en shock. La primera vez que trabajamos con nuestro productor Arif Mardin, él nos preguntó donde estaban nuestras canciones. Dijimos, “No tenemos ninguna, comenzaremos a escribir ahora”. Él no podría creerlo. Dijo, “¡Comenzamos a grabar ahora! ¿Todavía están escribiendo?”

Solíamos ir arriba y escribir una canción y después bajábamos y la armábamos abajo. Arif dijo, “¿Cómo pueden hacer eso?” Así que nos sentamos arriba y compusimos Jive Talkin', después bajamos para grabarla. Arif se acostumbró a trabajar así y llegó a disfrutarlo.A el le gustó la idea que nosotros escribiéramos y grabáramos en el lugar y eso no parecía demorar el proceso de grabación, era apenas otra manera de hacerlo. No es tanto trabajar rápido, sino el no estar preparado. A veces, si tienes todo previsto puede ser que dejes algo realmente grande fuera porque has cortado toda la espontaneidad. Si tienes un espacio en blanco entonces cualquier cosa puede suceder mientras que estás allí.

Trabaja con plazos

Es bueno tener plazos y presión. Sé que a mucha gente no le gusta la presión, pero funciona. Cuando Robert Stigwood llamó y nos pidió que escribiéramos Saturday Night Fever, sólo teníamos una cantidad X de tiempo en el estudio. Es casi utilitarista; si sólo tienes una cantidad determinada de horas para escribir algo, se te ocurrirá algo. Y es asombroso cómo te enfocas y te inspiras si sabes que hay una cantidad de tiempo limitada.

Teníamos ciertamente un plazo con Fever, para escribir todas esas canciones. Pienso que, en una semana, escribimos How Deep Is Your Love, Night Fever, Stayin’ Alive, If I Can’t Have You, y el resto. Tener un plazo te agudiza, te saca de la cama y no te deja ir a la cama, también.
La cosa acerca de estar en el estudio es que nunca sabes qué hora es. Tu cerebro, que estás utilizando en un nivel creativo, está totalmente olvidado del tiempo y el espacio y la única cosa importante es llegar al final del ciclo de composición. Solamente cuando eso termina, el comer, el dormir y las cosas diarias se vuelven importantes para ti.

Descubre donde la canción florece - "no dores el lirio"
Venimos de la vieja escuela de composición, como Elton John y Paul McCartney. Hay una parte básica de la canción que florece y puedes oírlo; el arte de la composición yo lo llamo cuando tienes realmente que compenetrarte con tu material. No pienso que muchos nuevos compositores están consiguiendo compenetrarse con eso; no saben adónde ir directamente. Saber dónde está el florecimiento, dónde florece la canción, donde los altos y bajos emocionales de la canción deben estar, es muy importante. Hay un talento en llegar al corazón de la canción y no dejarlo alargarse mucho antes de llegar a esa sensación. Si tienes un verso que se hace demasiado largo sin llegar al tope emocional de la canción entonces puede que estés frustrando el objeto. Tú no quieres oír una canción en la radio que lleve un tiempo largo antes de llegar al punto.

También, trabajar demasiado tarde en la noche una y otra vez puede hacerte "sordo al estudio". Si tienes demasiado tiempo para acabar un disco continuarás mezclándolo, y siguiéndolo en las casas de discos, y no siempre significará una mejora en la grabación. Estarás "dorando el lirio" o simplemente agregando demasiado. La mejor manera de volver al camino es volver a la demo porque cuando haces algo por primera vez, ésa es la magia.

Manten la cinta rodando

Durante el proceso de componer manten siempre la cinta rodando. Nunca sabes, en una sesión de tres horas de componer, cuándo se te va a ocurrir algo y si lo recordarás totalmente. Todas las ideas, todo, estarán en la cinta y entonces puedes retrotraerlo en cualquier momento. Las melodías nacerán por primera vez durante la escritura y, a menos que las tengas en la cinta, no tendrás ninguna forma de recordarlas. Eso es una regla cardinal.

Deja tu ego en la puerta

El ego es algo que no tiene ningún rol en la composición. El código más importante es colgar tu ego en la puerta del estudio cuando entras. Cuando se te están ocurriendo ideas no puedes ser inseguro y debes aceptar de las ideas de la otra gente. Barry podía aparecer con una idea y - porque era para mejorar la canción - yo decía, “sí, es mejor que mi idea, hagámoslo de esa manera”. Eso es jugar en equipo. Y tener siempre un buen sentido del humor al componer, no tomarlo demasiado seriamente y lanzar siempre una buena carcajada. Si escuchas las cintas de cuando compusimos todas nuestras canciones, están llenas de bromas y de humor. Si eres inseguro no puedes escribir. Si estás junto con otro compositor tiendes a ser un poco más tímido. Es casi como sacarte la ropa en público y tu nivel de la relajación, con otro escritor, estará siempre disminuído por la sensación que te juzgarán. Pero tienes que estar totalmente relajado para ser creativo. Todos los que conozco en el negocio, se convierten en ellos mismos en el estudio de grabación. Allí es donde sucede para todos. Es donde todos los artistas de grabación profesionales ponen los pies sobre la tierra. No puedes "posar" realmente en el estudio. Es muy auténtico y cuanto más cómoda está la gente en el estudio, más probable es que vayas a conseguir un buen disco.

Usa las emociones como cimiento

La melodía ha sido siempre importante y las emociones son tan perennes como la hierba. Pon esos dos juntos y tienes algo mágico. Hay algo muy atractivo para todas las edades cuando estás cantando sobre emociones humanas. Muchos jóvenes están inseguros acerca de cantar sobre emociones humanas - piensan que es de "chicas" o afeminado - pero hay algo muy humano acerca de esto. Animaría a todos los compositores jovenes que lo hicieran.

James Blunt es un compositor muy bueno y "You’re Beautiful" es un buen ejemplo del uso de la emoción. Esa canción habría podido salir en 1970 y, porque él está hablando de la cruda emoción humana, era tan grande como era. La gente joven quiere eso. Las emociones perdurarán durante las décadas. Busca siempre las maneras nuevas y alternativas de cantar sobre emociones y de mostrar las emociones humanas bajo una luz diferente, que la gente no ha oído antes. Ese es el truco; hacerlo sonar nuevo, pero estar todavía hablando de emociones.